Cultura

Arte da matéria: mapeando novos caminhos de uma cultura inclusiva

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Três Figuras (1932-1934), da artista russa Anna Leporskaya, tornou-se uma das mais icônicas desfigurações não intencionais de obras clássicas na história do mundo da arte quando foi vandalizada por um segurança do Centro Presidencial Boris Yeltsin em Yekaterinburg, na Rússia, em fevereiro deste ano. ano. O infrator teria desenhado os olhos em dois temas sem rosto da pintura usando uma caneta esferográfica. Uma obra-prima artística, com restauração estimada em mais de 250.000 rublos (£ 2.468; $ 3.345) e que foi emprestada ao museu multifuncional, custou uma investigação e suspensão da guarda – um incidente que a administração acredita ser ‘algum tipo de um lapso de sanidade’ e ‘um erro estúpido’. A pintura foi ‘vandalizada’ porque o guarda estava supostamente ‘entediado’ no primeiro dia de trabalho. No entanto, o incidente também reforça a questão – a arte é criada para o deleite de todos? Ou pode ser interpretado de várias maneiras?

Especialistas acham que estudos de caso de arte são certamente uma questão de subjetividade. As Três Figuras de Leporskaya é um exemplo em comparação com desfigurações não intencionais de obras clássicas como a infame restauração malfeita de Ecco Homo (Eis o Homem) na Espanha, de Cecilia Giménez. Giménez fez o rosto de Jesus Cristo — pintado em 1930 por Elías García Martínez — parecer um macaco. A artista amadora de 83 anos não tinha nada além de boas intenções quando voltou sua atenção para um afresco deteriorado de Jesus Cristo pintado nas paredes da igreja Santuário da Misericórdia, na pequena cidade espanhola de Borja, no início de 2012. O artista espanhol Pablo Picasso disse uma vez: “Todo mundo quer entender a arte. Por que não tentar entender o canto de um pássaro? Por que se ama a noite, as flores, tudo ao seu redor, sem tentar entendê-los? Mas no caso de uma pintura as pessoas têm que entender… As pessoas que tentam explicar as imagens geralmente estão latindo para a árvore errada.”

Como o grau geral de engajamento da arte nas massas no país é evidentemente menor, os impedimentos mais significativos residem na falta de plataformas de acesso adequadas, bem como em menos pontos de entrada que possam visar grupos de público díspares, em vez de uma lacuna na compreensão. Nupur Dalmia, curador-diretor da Gallery Ark, com sede em Vadodara (em breve The Ark Foundation), diz: “Acho que a maioria das pessoas que não estão acostumadas a se envolver com arte visual espera fazê-lo em formatos limitados comercial – ao comprar obras de arte e acadêmico, por exemplo, em um museu”, diz ela, citando o historiador de arte e professor da JNU, Naman Ahuja: “A arte entra em todos os aspectos de nossas vidas de modo que não seja mais separada ou um esforço. A expressão criativa faz parte do nosso ser, e sua ausência seria a coisa mais antinatural de todas.” Devido à sua natureza subjetiva, a forma como um espectador consome, interpreta e aprecia uma obra pode ser diferente de outro. “É a forma de expressão mais individualista já conhecida que mudou coletivamente através de diferentes períodos e movimentos. Aprecio diferentes artistas e suas obras devido ao contexto em que foram criados, a política por trás disso e o que representam. A ascensão da tecnologia tornou o acesso à arte mais democrático”, diz o artista multidisciplinar de Goa Osheen Siva.

Siva expressa sua visão através de murais nas cidades, arte digital, pinturas em tela e histórias em quadrinhos. Ela é especializada em expressionismo e incorpora visuais de paisagens oníricas, monstros, mutantes e cores brilhantes, todos profundamente enraizados em sua identidade feminina e queer e herança Dalit Tamil. Pois bem, se a arte é compreendida pelas massas, talvez não seja apenas a forma como ela é consumida nos espaços das galerias ou na forma de visitas e horários específicos alocados para apreciá-la. “Durante décadas, por meio de residências artísticas e projetos financiados, assumiu a forma de trabalhos específicos do local, liderados por pesquisas, que permeiam vilas, cidades satélites, desertos e praias. Você não pode ignorá-lo; você não pode deixar de vê-lo, pois reside em espaços públicos, tanto rurais quanto urbanos. Todo mundo entende, mas esse entendimento assume muitas formas”, diz Monica Jain, curadora-diretora do Art Centrix Space. Então, pode ser sobre algo bom? “Para que a arte tenha domínio sobre nossa psique, ela deve desafiar nossas noções, provocar uma resposta, boa, ruim, chocante, calmante – qualquer coisa. Por esse motivo, pode ter muitas interpretações, pois as mentes do artista e dos espectadores muitas vezes, se não sempre, se unem”, diz Jain.

Aceitando a mudança, esta não é a primeira vez que uma pintura é vandalizada na Rússia. Em 2019, um homem foi condenado a dois anos e meio de prisão depois de vandalizar uma pintura do século 19 de Ivan, o Terrível, na Galeria Tretyakov, estatal, em Moscou. A mesma obra também foi atacada em 1913 por um doente mental que a cortou três vezes com uma faca. No entanto, vivendo em tempos em que lápis e pixel são valorizados nos dias de hoje, o futuro está em aceitar a arte coletivamente – tanto do ponto de vista tecnológico quanto estético. “A arte é sempre uma combinação de investigação séria e brincadeira… o estúdio é ao mesmo tempo um laboratório, um santuário silencioso e uma casa de diversões”, diz o artista Jitish Kallat, de Mumbai. De fato, alguns exemplos sugerem como a arte sempre criou e continuará criando novas possibilidades – complexas e brilhantes – nos fazendo pensar além da imaginação.

Por exemplo, em 2021, a peça de arte digital de Beeple, Everydays: The First 5000 Days, apresentou ao mundo o cenário artístico em constante mudança. O americano Mike Winkelmann, também conhecido como Beeple, criou um desenho todos os dias nos últimos 13 anos e meio. Desde o início com caneta e papel até software de computador como o Cinema 4D, a colagem de arquivos jpeg foi oferecida como uma venda de lote único e rendeu US$ 69,3 milhões (aproximadamente 503 milhões de euros). parede do artista Maurizio Cattelan vendida por US $ 120.000 (‘85.35.360) na Art Basel em Miami Beach, Flórida. Esta obra de arte foi um exemplo brilhante de como o significado e a importância dos objetos mudam dependendo do contexto. E às vezes pode ser irreverente ou caprichoso. O trabalho intitulado Comedian se tornou viral nas mídias sociais, pois a maioria das pessoas não conseguiu entender como uma fruta em decomposição poderia ganhar dinheiro ou se é uma forma de arte ‘inestimável’ destinada à elite que não sabe o preço de uma banana. Mas a arte para a maioria das pessoas está aberta à interpretação, nenhum significado específico pode ser considerado verdadeiro.

Dalmia diz: “A arte é necessariamente aberta à interpretação, pois é subjetiva e afetará cada indivíduo de maneira diferente, mesmo que levemente. Eu penso em ver uma obra de arte como uma conversa única e privada que é guiada inteiramente por referências individuais de memória, estética pessoal e até humor.” Mas a arte sempre tem um significado? Como algumas das peças únicas estão abertas à interpretação, como no caso da banana, o espectador pode se referir a uma peça como um reflexo de sua própria vida ou conectá-la de uma forma ou de outra. No entanto, há momentos para serem interpretados de qualquer forma ou material. Por exemplo, em 2015, uma experiência artística chamada Tate Sensorium na Tate Britain usou tecnologia inovadora em pinturas do século 20 de Francis Bacon, David Bomberg, Richard Hamilton e John Latham.

Uma nova abordagem para interpretar essas pinturas fez o espectador usar componentes tecnológicos como o uso de áudio binaural e direcional para produzir sons 3D, um sistema de liberação de perfume para aumentar o perfume e a tecnologia háptica pioneira sem toque para criar a impressão de sensações táteis. Os visitantes usaram um dispositivo de medição biométrica para registrar o impacto emocional da atividade. inclusivo. A MAP e a Accenture Labs colaboraram para apresentar a primeira persona digital de conversação da Índia do célebre artista MF Husain. Pode-se fazer ao gêmeo digital de Husain uma pergunta relacionada ao seu início de vida, família ou carreira para receber uma resposta simulada dele. Um holograma 3D no espaço físico do museu também será lançado em breve.

“A arte pode significar coisas diferentes para pessoas diferentes. De certa forma, reflete quem éramos e quem esperamos ser – é a paisagem de nossa imaginação. Há décadas, a arte é considerada um luxo reservado à elite ou aos conhecedores. No entanto, como uma instituição inclusiva da nova era, o MAP pretende mudar esta percepção e provar que a arte deve ser apreciada, valorizada e compreendida por todos, independentemente da sua idade, estatuto social, casta e religião. A ideia é tornar a arte acessível a todos – inclusiva o suficiente para o homem comum e estimulante o suficiente para o conhecedor”, diz Kamini Sawhney, diretora do MAP, Bengaluru, cuja visão é levar a arte ao coração da comunidade e construir pontes entre diversas formas de arte e públicos. ‘Art is Life: SoundFrames’ celebra a música e seu poder de unir as pessoas. O programa digital de três dias, realizado em dezembro de 2021, apresentou mais de 25 eventos inspirados na música, incluindo concertos, performances, painéis de discussão, palestras sobre filmes, oficinas educativas e exposições. O MAP convidou músicos e artistas, de diferentes gêneros e fronteiras geográficas, para fazer parte deste festival.

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